Teatr | www.torun.pl

"Hamnet" – brytyjsko-amerykański film typu dramat historyczny z 2025 w reżyserii Chloé Zhao. Stanowi adaptację powieści "Hamnet" (2020) brytyjskiej pisarki Maggie O’Farrell. Powstał na podstawie scenariusza Zhao i O’Farrell. Przedstawia udramatyzowaną historię życia Williama Shakespeare’a (Paul Mescal) i jego żony Agnes Hathaway (Jessie Buckley), usiłujących uporać się ze śmiercią 11-letniego syna Hamneta. 

KLAMRA jest jednym z najważniejszych festiwali teatru alternatywnego, prezentującym najnowsze i najciekawsze spektakle przygotowane przez polskie teatry niezależne. Celem jest pokazanie jak najszerszego spektrum krajowej sceny alternatywnej, stąd obecność teatrów posługujących się różnorodnym językiem i środkami wyrazu, operujących rozmaitą poetyką i klimatem spektakli.
Podczas festiwalu można zobaczyć teatry tańca i lalek, przedstawienia tworzone na podstawie wielkich tekstów literatury polskiej i światowej, spektakle, w których wykorzystywana jest technika multimedialna, monodramy oraz performance.

„To, co straszy” – to spektakl przywołujący ludową wizję świata, porusza się w obszarach ludowego horroru. Opowiada o siłach nadprzyrodzonych takich jak diabły, mamuny, latawice. Symboliczną oś spektaklu stanowi młyn, właśnie wokół jego centrum krążą niepokojące zdarzenia. Praca młyńskiego koła, uruchomianego przez siły natury, wyznacza cykle w życiu mieszkańców młyna. Historia rodem z tradycyjnych baśni, łączy w sobie elementy folkloru i wierzeń z obszarów polskiej wsi. Na żarnach ścierają się ludzkie losy – mechanizmem tym kieruje Matka Natura, popędzając zaprzęgnięte do pracy instynkty. Wszystko toczy się dobrze do czasu gdy instynkty wymykają się, a diabły rozpoczynają swój hulaszczy taniec – w rytmie bębna, piszczałek i basów zataczają magiczne kręgi. Obrzędowe i nabożne pieśni tworzą sugestywną warstwę muzyczną dla obrazów ukazanych w przedstawieniu.

Scenariusz i reżyseria: Jacek Wilantewicz / Tekst: na motywach wierzeń, obrzędów i baśni ludowych / Scenografia: Jacek Wilantewicz
Muzyka: Witold Roy Zalewski, / Partie śpiewu: Dominika Oczepa / Choreografia/ruch sceniczny: Jacek Wilantewicz / Występują: Tamara Yelchaninova, Jacek Wilantewicz

Premiera: 5 października 2024, Nowina

O TEATRZE:
Teatr Stajnia Metamorficzna działa od 2020 roku, od tego czasu realizuje swoją ideę w zaadaptowanym na cele artystyczne budynku starej stajni, położonym we wsi Nowina na Dolnym Śląsku (Gmina Ziębice). Założycielami teatru są Jacek Wilantewicz i Tamara Yelchaninova. W roku 2021 Stajnia Metamorficzna zaprezentowała się szerszej publiczności z monodramem „Mięso”. Poza przedstawieniami na własnej scenie teatr konfrontuje się z publicznością festiwalową, stale rozwijając swoją ideę teatru miejsca i teatru drogi. Mocno koncentruje się na wypracowaniu oryginalnego języka scenicznego. Bliskie są im baśnie, mity i ludowe wierzenia ‒ to one stały się fundamentem spektakli. Urzeczywistnieniem poszukiwań w tych obszarach jest przedstawienie „To, co straszy”, przywołujące ludową wizję świata. Spektakl został zrealizowany w 2024 roku w ramach Programu OFF Polska organizowanego przez Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego. Teatr Stajnia Metamorficzna jest także organizatorem festiwalu pod nazwą Wieczór Metamorficzny – Ogólnopolskie Spotkania Teatralne. 

KLAMRA jest jednym z najważniejszych festiwali teatru alternatywnego, prezentującym najnowsze i najciekawsze spektakle przygotowane przez polskie teatry niezależne. Celem jest pokazanie jak najszerszego spektrum krajowej sceny alternatywnej, stąd obecność teatrów posługujących się różnorodnym językiem i środkami wyrazu, operujących rozmaitą poetyką i klimatem spektakli.
Podczas festiwalu można zobaczyć teatry tańca i lalek, przedstawienia tworzone na podstawie wielkich tekstów literatury polskiej i światowej, spektakle, w których wykorzystywana jest technika multimedialna, monodramy oraz performance.

„Ostatnia Fuga” to spektakl realizujący moją nowatorską, wywodzącą się z 1994 roku koncepcję „Teatru mechanicznego”. Głównym jego komponentem ekspresji jest – przyrastająca z czasem na scenie – instalacja złożona z dziewięciu specjalnie skonstruowanych obiektów i maszyn podlegających przemianie ujawniając osobliwe „aktorstwo przedmiotu”*. Wszystkie one powstały z inspiracji i w odniesieniu do płótna Francisco Goyi „3 maja 1808. Rozstrzelanie powstańców madryckich” niosąc z sobą głębokie humanitarne przesłanie ukazujące rytuał egzekucji jako „mord z nakazu prawa, a wszystko to w imię sprawiedliwości pojmowanej partykularnie, będącej jawnym jej idei pogwałceniem”*. Bardzo ważną konsekwencją takiego zamysłu jest redukcja roli aktora na scenie, co sprawia, że „tak pojęty spektakl rozprawia się z głównym charyzmatem sceny – przemijaniem. Staje się orężem uwalniającym Teatr od śmierci, lokując go w wymiarze: teraz – kiedykolwiek – zawsze!”*. Wyjątkowość tego projektu dopełnia fakt, iż jest to pierwszy na świecie spektakl w pełni wygenerowany w technologii 3D.

Autor, reżyseria, światło, zdjęcia, montaż, opracowanie muzyczne:  Dariusz Gorczyca / Modelowanie 3D, teksturowanie, symulacje, animacje, postprodukcja:  Michał Sikora / Wstępne modelowanie 3D:  Daniel i Krzysztof Płonka / Muzyka:  Jan Sebastian Bach, Krzysztof Penderecki / Udźwiękowienie:  Piotr Michał Madej

Premiera: 19 listopada 2024, Kraków

O ARTYŚCIE:

Dariusz Gorczyca – artysta interdyscyplinarny, twórca teatralny, performer, autor tekstów, teoretyk, absolwent Akademii Sztuk Pięknych w Krakowie. W 1987 r. powołał Teatr Sytuacji. Od początku realizuje własną wizję teatru pozbawionego narracji słownej, buduje przekaz poprzez ruch, przedmiot i precyzję kompozycji na scenie. W „Imperium Cienia” z 1993 r. skrystalizowała się w pełni jego koncepcja Teatru obłędu i pojawiły specjalnie zaprojektowane obiekty, maszyny, wchodzące w zależność z ciałem aktora. Gorczyca podejmuje trudne, często kontrowersyjne tematy związane ze śmiercią, cierpieniem, seksualnością, obłędem czy religią. Język jego obrazów jest uniwersalny, wręcz archetypowy. Odważnie wykorzystuje wizerunek ludzkiego ciała, czyniąc go źródłem bólu, rozkoszy czy śmiertelności. Nie boi się dialogu z tradycją, reinterpretując znane motywy i tematy. Często porusza się na granicy dyscyplin zestawiając różnorodne media. Gorczyca ma na swoim koncie 40 wystaw indywidualnych, 10 spektakli autorskich oraz liczne akcje i performanse.

KLAMRA jest jednym z najważniejszych festiwali teatru alternatywnego, prezentującym najnowsze i najciekawsze spektakle przygotowane przez polskie teatry niezależne. Celem jest pokazanie jak najszerszego spektrum krajowej sceny alternatywnej, stąd obecność teatrów posługujących się różnorodnym językiem i środkami wyrazu, operujących rozmaitą poetyką i klimatem spektakli.
Podczas festiwalu można zobaczyć teatry tańca i lalek, przedstawienia tworzone na podstawie wielkich tekstów literatury polskiej i światowej, spektakle, w których wykorzystywana jest technika multimedialna, monodramy oraz performance.

"Umierający Łabędź" to 4-minutowy balet, popisowy numer Anny Pawłowej, tańczony na całym świecie. Ikona tańca. Jeśli wpiszesz to hasło w wyszukiwarkę, nie znajdziesz tam zdjęć łabędzi, tylko baletnice. Tak oto tragedia zwierzęcia została zawłaszczona przez człowieka. Kto jeszcze troszczy się o ginące ptaki? Potrzeba aktywnej ochrony, by nie zostały utracone.

Na scenie 3 tancerki, 1 anatomiczny model szkieletu i 1 mockup ptaka - kraski. Zapis pamięci - pamięci przechowywanej w układzie nerwowym, w kościach i w tkankach miękkich. Pamięci tańca, który, choć jest najbardziej efemeryczną ze sztuk, pozostawia w ciele tańczących trwałe ślady. Tytuł to nie cytat Paolo Coelho, to komunikat z ekranu końcowego gier popularnej konsoli, ostrzegający przed możliwą utratą niezapisanych danych. 

Wszystko, czego nie zapisałeś, zostanie utracone. W końcu to tylko sztuczka.

Reżyseria:  Zuzanna Kasprzyk / Scenariusz:  Zuzanna Kasprzyk /Andrzej Molenda / Scenografia:  Anna Adamiak (mockup + kostiumy) / Muzyka:  Patryk Zakrocki / Choreografia/ruch sceniczny:  Zuzanna Kasprzyk / Występują:  Sara Kozłowska, Zuzanna Grygo, Arina Yaryhina

Premiera:  12 października 2025, Łódź

O TEATRZE:

Zuzanna Kasprzyk  –  tancerka, choreografka, artystka niezależna. Absolwentka Prywatnej Szkoły Baletowej M. M. Szewczenko w Gliwicach, Wydziału Teatru Tańca PWST w Krakowie (Akademii Sztuk Teatralnych), oraz Szkoły Doktorskiej Akademii Muzycznej w Łodzi. Pracowała m.in. w Kuala Lumpur Performing Arts Center (Malezja), Staatstheater Kassel (Niemcy), Operze Narodowej w Warszawie, Warszawskiej Operze Kameralnej, Teatrze Nowym w Łodzi, Teatrze im. Słowackiego w Krakowie. Zdobywczyni pierwszej nagrody na międzynarodowym Solo Dance Contest 2013 w Gdańsku za choreografię „We are very sorry, but there is no place for Susana” którą prezentowała również na festiwalach w Singapurze, Seulu, Goyang i Kuala Lumpur. Występowała i nauczała m.in. we Francji, Łotwie, Litwie, Niemczech, Meksyku, Korei Południowej, Singapurze, Malezji, Czechach, Słowacji. Od 2019 w duecie artystycznym z fizykiem Andrzejem Molendą, w swoich pracach łączą role naukowca, performera i eksperymentatora, kierując się podejściem somatycznym, inspirowanym Body-Mind Centering® i Metodą Feldenkraisa. Nie boją się autoironii i ekscentryczności, szukają niejednoznacznych obrazów i przestrzeni dla swobodnego przepływu skojarzeń. Od 2018 roku związana z Łodzią, gdzie m.in. uczy w Akademii Muzycznej, Akademii Humanistyczno–Ekonomicznej oraz w Szkole Filmowej.

KLAMRA jest jednym z najważniejszych festiwali teatru alternatywnego, prezentującym najnowsze i najciekawsze spektakle przygotowane przez polskie teatry niezależne. Celem jest pokazanie jak najszerszego spektrum krajowej sceny alternatywnej, stąd obecność teatrów posługujących się różnorodnym językiem i środkami wyrazu, operujących rozmaitą poetyką i klimatem spektakli.
Podczas festiwalu można zobaczyć teatry tańca i lalek, przedstawienia tworzone na podstawie wielkich tekstów literatury polskiej i światowej, spektakle, w których wykorzystywana jest technika multimedialna, monodramy oraz performance.

Teatr Ósmego Dnia "Nic nie wiemy na pewno", 60'

To będzie podróż. „Wszystkim mniejszym domowym bogom zbierze się na płacz, lecz ty wypowiedz pożegnanie, postoju poniechaj, wypłyń w morze, niezłomny wędrowiec”. (Wystan Hugh Auden „Atlantyda”)

Podróż, która pojawia się w niemal każdym naszym spektaklu. Podróż rozumiana jako wolność. Wolność jako podróż w przestrzeni i w czasie, wolność jako prawo do ingerencji w świat, wolność jako bunt przeciw zastanemu światu.
Także wolność jako odmowa uczestniczenia w wyścigach, modach, trendach w celebrach…. Wolność do tego także, aby się śmiać – również z siebie. Będzie więc to podróż przez dawne przedstawienia, przez wątki i postacie, które zostały z nami na zawsze i mamy nadzieję zostały też z naszymi widzami. Choć pamiętamy, że podróż bywa też ucieczką.

Scenariusz i reżyseria: Kolektyw senioralny w składzie: Ewa Wójciak, Adam Borowski, Jacek Chmaj, Tadeusz Janiszewski, Marcin Kęszycki / Muzyka: Arnold Dąbrowski, Lidia Zielińska (fragmenty muzyki ze spektaklu „Ziemia niczyja”) / Video: Tomasz Jarosz
Realizacja dźwięku: Jakub Staśkowiak / Realizacja świateł: Piotr Najrzał / Występuje Kolektyw senioralny w składzie:  Ewa Wójciak, Adam Borowski, Tadeusz Janiszewski, Marcin Kęszycki

Premiera:  6 grudnia 2024, Poznań

O TEATRZE:

Teatr Ósmego Dnia powstał w 1964 roku jako niezależny, zaangażowany i antysystemowy Studencki Teatr Poezji „Ósmego Dnia”. Inicjatorami powstania zespołu byli Tomasz Szymański i Lech Raczak, a za współzałożycieli uznaje się ówczesnych studentów polonistyki na Uniwersytecie im. Adama Mickiewicza w Poznaniu (w tym Stanisława Barańczaka). Teatr Ósmego Dnia jest legendą polskiego teatru alternatywnego. Ósemki wsławiły się wystawieniem wielu ważnych spektakli w duchu opozycyjnym, które powstawały w latach siedemdziesiątych i osiemdziesiątych ubiegłego wieku. Zaangażowany politycznie teatr spotkał się z represjami ze strony władz PRL. Zespół został rozwiązany, a aktorzy zmuszeni do emigracji, z której mogli powrócić dopiero po roku 1989, kiedy możliwe stało się wznowienie działalności. W wolnej Polsce artyści nie porzucili cechującej ich od początku postawy buntu i niezgody na zastaną rzeczywistość, realizując zaangażowane społecznie przedstawienia. Transformacji uległ jednak język, którym posługiwał się teatr (najczęściej zespołowo reżyserujący swoje spektakle), ewoluując od oszczędnych i symbolicznych projektów scenograficznych, po multimedia, które są nieodłącznym elementem najnowszych realizacji. Teatr Ósmego Dnia zyskał ogromne uznanie również za granicą

KLAMRA jest jednym z najważniejszych festiwali teatru alternatywnego, prezentującym najnowsze i najciekawsze spektakle przygotowane przez polskie teatry niezależne. Celem jest pokazanie jak najszerszego spektrum krajowej sceny alternatywnej, stąd obecność teatrów posługujących się różnorodnym językiem i środkami wyrazu, operujących rozmaitą poetyką i klimatem spektakli.
Podczas festiwalu można zobaczyć teatry tańca i lalek, przedstawienia tworzone na podstawie wielkich tekstów literatury polskiej i światowej, spektakle, w których wykorzystywana jest technika multimedialna, monodramy oraz performance.

Jedno z najsłynniejszych i najbardziej rewolucyjnych dzieł scenicznych XX wieku! Okrzyknięty jedną z najlepszych musicalowych premier w Polsce spektakl w reż. Agnieszki Płoszajskiej powraca na scenę. 

To historia ostatnich dni Jezusa opowiedziana z perspektywy Judasza Iskarioty. Toruńska adaptacja powstaje w duchu coraz bardziej popularnego teatru immersyjnego, w którym widz nie tylko ogląda, ale też doświadcza zdarzeń i aktywnie w nich uczestniczy. Nie ma podziału na scenę i widownię. Widzowie są w centrum wydarzeń, dlatego dostępne są głównie miejsca stojące, a niewiele jest miejsc siedzących. Akcja została umiejscowiona współcześnie w świecie młodego pokolenia poszukującego nie tylko duchowości, ale i sensu życia. Gościnną przestrzenią w której powstanie spektakl jest kultowy toruński klub muzyczny „Od Nowa”.
Ze względu na immersyjną formę spektaklu, można zająć miejsca stojące (które pozwalają na pełne uczestnictwo oraz możliwość przemieszczania się w trakcie) lub siedzące.

Bilety: miejsce siedzące 180 zł, 160 zł ulgowy; miejsce stojące 150 zł, 130 zł ulgowy
 

Toruńskie Spotkania Teatrów Jednego Aktora to przegląd najciekawszych spektakli z gatunku monodramu w wykonaniu artystów polskich i zagranicznych. Są one wybierane w drodze naboru zgodnie z formułą festiwalu. Wydarzenie uzupełniają liczne wydarzenia towarzyszące ukazujące szerokie spektrum teatru jednego aktora, m. in. dyskusje, wystawy, warsztaty.

W tym roku w programie:
 

• Przemysław Bluszcz – "Belfer" (Teatr Ateneum)
• Agnieszka Przepiórska – "Jadwiga" (Mazowiecki Instytut Kultury)
• Adam Ferency – "Sprzedawca życzeń"
• Ewa Ziętek – "Nieostrość widzenia"
• Łukasz Lewandowski – "Historia Jakuba"
• Karolina Sadowska - "Lot" (Olsztyński Teatr Lalek)
• Grzegorz Sierzputowski – "Ptaki krzyczą nieustannie"
• Miłosz Sadowski – "Gnój" (Teatr Lalki i Aktora w Wałbrzychu)
• Krystian Durman – "Hibernacja" (Teatr Mały Tychy)
• Julia Ankiersztajn – "Operacja na otwartym sercu"

Bilety i zapisy: Dział Organizacji Widowisk, tel. 56 652 20 29 wew. 55, organizacja@bajpomorski.art.pl

Fot. Katarzyna Filipczak ze spektaklu Adama Ferencego "Sprzedawca życzeń"

Opieka dla dzieci w wieku od 5 do 10 lat. Kiedy rodzice i opiekunowie będą oglądać spektakl, dzieci przeniosą się do zaaranżowanej sali zabaw, gdzie zanurzą się w kulinarnym świecie. 

Rezerwacja: kasa lub Biuro Obsługi Widzów: tel. 56 622 55 97; 56 622 30 70. Do biletu wstępu na spektakl trzeba dokupić bilet na opiekę w cenie – 35 zł
 

- - -

„Na ostrzu noża” to opowieść o ludziach pracujących w restauracyjnej kuchni – miejscu, gdzie codzienne obowiązki zamieniają się w brutalny system zależności, hierarchii i napięć. Scenariusz autorstwa Joanny Kowalskiej, inspirowany dramatem Arnolda Weskera "The Kitchen", osadza akcję we współczesnej rzeczywistości, w której kuchnia staje się soczewką relacji społecznych.

Zobaczymy świat ostrych podziałów: między tymi, którzy wydają polecenia, a tymi, którzy je wykonują. W ciągłym napięciu rodzą się romanse i zdrady, sojusze i konflikty, marzenia o innym życiu i poczucie utknięcia bez wyjścia.

Spektakl w reżyserii Piotra Ratajczaka opowiada o miłości i głodzie – nie tylko jedzenia, ale także bliskości, sensu i sprawczości. Na scenie pojawi się prawdziwa, profesjonalna kuchnia, w której bohaterowie będą nie tylko przygotowywać potrawy, ale także mierzyć się z presją, hierarchią i granicami własnej wytrzymałości.

Ceny biletów: 70 zł – normalny, 60 zł – ulgowy, 40 zł – szkolny

„Na ostrzu noża” to opowieść o ludziach pracujących w restauracyjnej kuchni – miejscu, gdzie codzienne obowiązki zamieniają się w brutalny system zależności, hierarchii i napięć. Scenariusz autorstwa Joanny Kowalskiej, inspirowany dramatem Arnolda Weskera "The Kitchen", osadza akcję we współczesnej rzeczywistości, w której kuchnia staje się soczewką relacji społecznych.

Zobaczymy świat ostrych podziałów: między tymi, którzy wydają polecenia, a tymi, którzy je wykonują. W ciągłym napięciu rodzą się romanse i zdrady, sojusze i konflikty, marzenia o innym życiu i poczucie utknięcia bez wyjścia.

Spektakl w reżyserii Piotra Ratajczaka opowiada o miłości i głodzie – nie tylko jedzenia, ale także bliskości, sensu i sprawczości. Na scenie pojawi się prawdziwa, profesjonalna kuchnia, w której bohaterowie będą nie tylko przygotowywać potrawy, ale także mierzyć się z presją, hierarchią i granicami własnej wytrzymałości.

Premiera: 28 lutego 2026 r.

Ceny biletów: 70 zł – normalny, 60 zł – ulgowy, 40 zł – szkolny

• Reżyseria, opracowanie muzyczne: Piotr Ratajczak
• Tekst: Joanna Kowalska / scenariusz inspirowany dramatem Arnolda Weskera „The Kitchen”
• Scenografia, światło: Marcin Chlanda
• Kostiumy: Grupa Mixer
• Ruch sceniczny: Arkadiusz Buszko
• Konsultacje kulinarne: Rafał Rogoziński

Obsada:

• Baśka, kucharka – Małgorzata Abramowicz
• Piotr, kucharz – Michał Darewski
• Dimitri, kucharz – Siarhei Artsiomenka (gościnnie)
• Wiesiek, pomoc kuchenna – Paweł Kowalski
• Adam, nowy kucharz – Łukasz Ignasiński
• Szef Arek, szef kuchni – Grzegorz Wiśniewski
• Ania, kelnerka – Maria Kierzkowska
• Viola, nowa kelnerka – Joanna Rozkosz
• Monika, kelnerka – Julia Szczepańska
• Igor, kelner – Maciej Raniszewski
• Bartosz, manager – Arkadiusz Walesiak
• Danuta, właścicielka restauracji – Matylda Podfilipska
• Tadeusz, głodny gość – Jarosław Felczykowski

Inspicjentka: Alicja Garstecka

Spektakl jest pozytywnym projektem, rodzajem pomocnej dłoni albo siostrzanego ramienia, wspierającego w trudnej i często wyczerpującej walce o siebie. Jest przestrzenią spotkania, miejscem opowieści, próbą tworzenia nudnej i trzeźwej dziewczyńskiej wspólnoty. Scenariusz spektaklu powstał na podstawie książki Marty Markiewicz o tym samym tytule. Autorka pokazuje rzadką w polskim kontekście kobiecą twarz choroby alkoholowej i uzależnienia od narkotyków. Twarz młodej, wykształconej i pochodzącej z dobrego domu dziewczyny.

Premiera: 10.01.2026

Bilety: 65 zł normalny, 55 zł ulgowy, 40 zł szkolny