Swoje prace malarskie, rysunki i grafiki zaprezentują dzieci, ich rodzice i dziadkowie – trzy pokolenia artystycznych rodzin.
Zarówno Barbara Sosnowska-Bałdyga, jak i Stanisław Bałdyga są absolwentami toruńskiego Wydziału Sztuk Pięknych UMK, oboje też w 1970 roku uzyskali dyplomy z grafiki artystycznej w pracowni prof. Edmunda Piotrowicza i prof. Ryszarda Krzywki. Jubileuszowa wystawa tych znakomitych grafików zorganizowana w Muzeum Zamkowym w Lublinie pod bardzo trafnym tytułem Dialog (kuratorka: Anna Hałata) znajduje niejako swoją kontynuację w toruńskiej Wozowni.
Barbara Sosnowska – Bałdyga nieustannie poszukuje nowych form wypowiedzi dla swojej sztuki, nie zamyka się w jednym sposobie obrazowania ani nie ogranicza się do jednej techniki. Jak pisze Anna Hałata, traktuje ona swoją działalność graficzną jako żywy twór poddawany ciągłym transformacjom i ewolucjom. Zmiana warsztatu w poszczególnych etapach twórczości artystki znajduje odbicie w charakterze wypowiedzi artystycznej. Wczesne grafiki realizowała w technikach metalowych, a przede wszystkim w suchej igle, która doskonale podkreślała nastrojowy, liryczny charakter jej prac, by stopniowo oczyszczać je z warstwy przedstawieniowej na rzecz założeń formalnych, dla których doskonałym medium okazał się druk cyfrowy (kilka takich grafik artystki można było obejrzeć w Wozowni na tegorocznym 7 MTG Kolor w grafice. Edycja cyfrowa).
Stanisław Bałdyga jest artystą konsekwentnie realizującym swoje artystyczne zamierzenia, nieustannie doskonalącym swój warsztat związany od ponad 40 lat z techniką linorytu. "W swoich pracach ciągle poszukuję. Szukam przestrzeni, światła, formy, harmonii, rytmu, struktury. Moje działania są zarówno intuicyjne, jak i zaprogramowane, celowe. Oddziałują na mnie: przyroda, miejsce, w którym żyję, ludzie, niektóre dzieła sztuki i wszystko, co nas otacza. Proces tworzenia, od zamysłu do ostatniej kropki wyciętej w linoleum, jest żmudny, pracochłonny, ale dla mnie jest zawsze przygodą i wielką przyjemnością, jest sposobem na życie”. /S. Bałdyga/ I zapewne bliska jest artyście myśl innego wielkiego mistrza linorytu, Józefa Gielniaka, przytoczona nie bez przyczyny w jednym z katalogów: (...) Rozpoczyna się zmaganie z martwą płaszczyzną linorytu, z sobą, pragniemy, usiłujemy zamknąć w niej cząstkę życia, cząstkę prawdy o sobie i o świecie." (fragment listu J.Gielniaka do Stanisława Dawskiego).
Galeria czynna:
wtorek-piątek, godz. 11.00-18.00
sobota-niedziela, godz. 12.00-18.00
"Wędrowanie przez życie dokonuje się poprzez nieustanne wybieranie kierunków i ścieżek, którymi chcemy podążać. Decyzje te układają nasze życie w sieci map, będące indywidualnym odzwierciedleniem naszej egzystencji. Mapy te zdają się być zaklęte w układ linii papilarnych niepowtarzalnych i nieusuwalnych. Stają się pieczęcią chroniącą zapis naszego losu – archiwum zdarzeń przeszłych, ale i determinacją wynikających z nich zdarzeń przyszłych. Rysują nasz portret wewnętrzny. Ważne wydało mi się podjęcie próby uchwycenia momentu, w którym nasze myśli, wypowiadane słowami lub przeobrażone w działanie, nawet te, tylko zamknięte w naszej świadomości mają duży wpływ na nasze dotychczasowe życie i decydują o jego dalszym toku. Postanowiłam wyłowić te chwile z szerokiego pasma naszej egzystencji, nazwać je i nadać konkretną, materialną formę. Powstałe obiekty opatrzyłam wspólnym tytułem ‘Obiekty do wchodzenia’, określając w ten sposób ich funkcję, ale też mając świadomość, że w trakcie spotkania ich / z nimi w przestrzeni galerii możemy na nie wejść lub po prostu minąć je obojętnie.
Ten Wybór także pozwalam sobie włączyć w materię prezentowanej wystawy." /Karolina Komasa/
Karolina Komasa studiowała w latach 1991-98 na Akademii Sztuk Pięknych w Poznaniu na kierunku Rzeźba - dyplom z rzeźby u prof. Danuty Mączak i z malarstwa w architekturze u prof. Jana Gawrona. W roku 2000 i 2009 otrzymała stypendium Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego, pracuje jako adiunkt na Wydziale Rzeźby poznańskiego Uniwersytetu Artystycznego. Zajmuje się rzeźbą, obiektem, instalacją.
Galeria czynna:
wtorek-piątek, godz. 11.00-18.00
sobota-niedziela, godz. 12.00-18.00
Wystawa wybitnego polskiego reżysera, twórcy audiowizualnego, który zasłynął między innymi wyjątkowym filmem "Młyn i Krzyż" – niezwykłą filmową interpretacją tajemniczego płótna Petera Bruegel’a "Droga krzyżowa". Fragmenty tej pracy będzie można oglądać podczas indywidualnej wystawy artysty w CSW. Zasadniczą częścią ekspozycji będzie przygotowana specjalnie dla Torunia odsłona cyklu filmowego "Krew poety", w którym artysta w kilkudziesięciu symultanicznie wyświetlanych projekcjach video rozwija wizualną opowieść pełną symboli, wizji i ukrytych znaczeń.
Krew Poety to cykl video składający się z 33 części tworzących jedną, wielowątkową opowieść. Cykl miał swoją światową premierę na niezwykle prestiżowej wystawie retrospektywnej artysty Conjuring the Moving Image, zorganizowanej w 2006 roku przez MoMA w Nowym Jorku. Poszczególne projekcje wchodzą w wielowątkowe relacje zarówno ze sobą nawzajem, jak również z umiejscowioną w przestrzeni rzeźbą, odgrywając przed oczami widza niepowtarzalny spektakl. Symultaniczna prezentacja różnych części cyklu umożliwia nieustanne odczytywanie całej pracy w nowy i niepowtarzalny sposób. Kolejny raz Lech Majewski udowadnia swoje mistrzostwo w uruchamianiu ludzkiej wyobraźni za pomocą obrazu.
Na wystawie znajdą się również projekcje "Studiów z Breugela". W 2011 roku Lech Majewski zakończył 3-letnią pracę nad filmem “Młyn i Krzyż", bazującym na arcydziele Petera Bruegela. Majewski stworzył serię wideoartów zatytułowanych "Breugel Suite", które zostały zaprezentowane w lutym 2011 w Luwrze, a w czerwcu stały się częścią 54. Biennale w Wenecji, w ramach pokazu w Chiesa San Lio. CSW Znaki Czasu posiada część tego dzieła w swojej kolekcji; podczas toruńskiej wystawy zaprezentowane zostaną zarówno zakupione prace, jak i większy wybór twórczości artysty.
Lech Majewski to twórca niezwykły – swoje wizje roztacza w obrazach, filmach, instalacjach, powieściach, teatrach i operach, prezentowanych przede wszystkim w USA, we Włoszech, w Polsce i we Francji. Studiował w ASP w Krakowie, ale ostatecznie ukończył łódzką szkołę filmową. Jest autorem takich projektów filmowych, jak m.in. Prisoner of Rio, Ewangelia według Harry’ego / Gospel According to Harry, Basquiat, Wojaczek, Angelus czy Ogród rozkoszy ziemskich. Prezentowane na festiwalach w Cannes, Wenecji, Berlinie, Toronto, Rzymie, Nowym Jorku, Rio de Janeiro, Chicago, Londynie, Mar del Plata, Barcelonie, Miami, Jerozolimie, Moskwie i Montrealu filmy Majewskiego otrzymały liczne nagrody.
godziny otwarcia:
wtorek-czwartek, godz. 10.00-18.00
piątek, godz. 10.00-20.00
sobota-niedziela, godz. 12.00-18.00
Bilety: normalny 10 zł, ulgowy 5 zł, rodzinny (2 dorosłych i 2 dzieci) 20 zł
czwartki – wstęp wolny
Artyści: Oskar Dawicki, Jacek Malinowski, Agnieszka Polska, Aleksandra Waliszewska, Honza Zamojski. Wystawa Take 5, mająca odzwierciedlać żywotność i różnorodność polskiej sceny artystycznej, oferuje także osobisty wgląd w szczególną sferę społeczeństwa uchwyconego w momencie dynamicznego rozwoju. Pomimo znaczących różnic pomiędzy uczestniczącymi w przedsięwzięciu artystami, z punktu widzenia ich prac i zaplecza, łączy ich specyficzna umiejętność delikatnego czy nawet pogłębionego badania własnego środowiska i ich roli jako artystów, przy lekkim przeskakiwaniu ponad granicami ludzkiej logiki. Jasne wizje stapiają się z zaciemnionymi, zniekształconymi obrazami realności. Powracającymi tematami tych egzystencjalnych analiz są rozmaite aspekty, takie jak fakt i fikcja, oryginalność i imitacja, niepowodzenie i magia. Artyści wcielają się w rolę pomysłowych szarlatanów, by z niemal akrobatyczną zręcznością stawiać czoła ciężarowi istnienia.
Take 5 będzie prezentować zarówno prace już wcześniej istniejące, jak i te stworzone specjalnie na potrzeby wystawy. Towarzyszyć jej będzie także obszerny program filmowy (emitowany w Kinie Centrum), ukazujący szeroką kinematograficzną aktywność polskiej sceny artystycznej. Koncepcja wystawy powstała w wyniku bliskiego dialogu z wieloma polskimi artystami i twórcami, jest efektem złożonego procesu koncentrowania i dekoncentrowania uwagi. Jest jak migawka, jak zapis filmu lub dźwięku (take – zapis, ujęcie), który rozbrzmiewa w swej charakterystycznej polifonii. Wystawa Take 5 jest rezultatem współpracy między Centrum Sztuki Współczesnej w Toruniu a MARTa Herford.
godziny otwarcia:
wtorek-czwartek, godz. 10.00-18.00
piątek, godz. 10.00-20.00
sobota-niedziela, godz. 12.00-18.00
Bilety: normalny 10 zł, ulgowy 5 zł, rodzinny (2 dorosłych i 2 dzieci) 20 zł
Czwartki – wstęp wolny
Otwarcie wystawy fotograficznej
Otwarcie wystawy fotograficznej.
Wstęp wolny
